Арт-объекты

Родилась на Урале, в городе Миасс Челябинской области, в 2001 году. Там же окончила детскую художественную школу № 4, затем поступила в СПГХПА им. А. Л. Штиглица на кафедру станковой и книжной графики; в 2026 году окончила академию с красным дипломом.

Как художника на данный момент меня более всего привлекает ясность, лаконичность и точность архаики — простые и выверенные формы, в которых найден образ и художественная пластическая точность. В своей практике я собираю этот «наивный язык» заново: наблюдаю, как линия и плоскость могут говорить так же прямо и мощно, как это делало древнее искусство. Близки художники, которые искали опору в истоках: Генри Мур, Пабло Пикассо, Наталия Гончарова — их опыт помогает мне точнее слышать собственный тембр.

История моего родного Урала — не второстепенный элемент, а основа, почва, из которой растет моё творчество. Я много читаю и путешествую по региону, переношу найденные мотивы и сюжеты в графику, чтобы оживлять интерес к корням, наполняться собственной культурой и двигать ее вперед.

Работаю с офортом, комбинирую его с сухой иглой и печатью по картону, позволяя технике диктовать неожиданные решения. Эксперимент — часть метода: так родились две серии по мотивам пермского звериного стиля, где древние сакральные предметы быта обретают новое дыхание в современной графике.

Лайфстайл-бренд, который работает на стыке ремесла, дизайна и архивного подхода.

Мы не просто создаём предметы интерьера — мы собираем коллекцию уникальных историй, воплощённых в форме и ощущениях.

Междисциплинарный художник, работаю в живописи, графике, текстиле и керамике.

Художник — мастер по обработке кости, дерева.
Участник всероссийских и международных выставок.

Состою в Союзе художников России с 2021 года. Являюсь участником выставок разного уровня: городских, областных, межрегиональных, всероссийских и международных проектов.

Являюсь стипендиатом Министерства культуры Свердловской области — «Ведущим деятелям культуры и искусства и талантливой молодежи, профессионально работающей в сфере искусства» (2020 г.).

В своем творчестве часто обращаюсь к образам растений и животных, а также размышляю о месте человека в этом мире через призму природного мира.

Потомок кармакских красильщиков Ореховых и Тихомировых, нежно люблю уральскую роспись — рисую, исследую, популяризую. Директор АНО «Кармакские красильщики».

Моё искусство объединяет живые линии, которые символизируют энергию и движение, с нечитаемой письменностью, отражающей человеческую потребность в выражении неизъяснимого.

Яркие цвета и первобытные мотивы, воплощённые через абстракцию, формируют язык, которым я говорю со зрителем, приглашая к размышлению и внутреннему диалогу.

Особые подарки для особых случаев
Мастерской в 2026 году — 15 лет.
Партнёр Третьяковской галереи.
2025 год — лучший российский дизайнерский продукт с элементами НЭП.
2026 год — дипломант конкурса «Уникальные мастера России», вошли в каталог «Лучшие художники ДПИ России».

Высокая художественная роспись фарфора и натурального камня. Разработка уникальных техник росписи натурального камня.

Родилась в Минске.
В 2015 году с отличием окончила Минский государственный художественный колледж имени А. К. Глебова. Дипломная работа — холст «Паляванне князёу» — экспонировалась в Национальном художественном музее РБ.

В 2018 году поступила в Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова на факультет живописи. В 2020—2024 годах обучалась в мастерской монументальной живописи МГАХИ имени В. И. Сурикова под руководством профессора Е. Н. Максимова.

В 2024 году за дипломный проект «Весна. Лето. Осень. Праздники Беларуси» получила оценку «отлично» и похвалу Государственной экзаменационной комиссии. Дипломный проект был представлен серией расписных ковров, посвящённых теме народных праздников Беларуси. Окончила институт по специальности «Монументальная живопись» с красным дипломом.
В 2023 году награждена медалью «За успехи в учёбе» Российской академии художеств.

Наиболее значимая и фундаментальная тема в моём творчестве — взаимодействие мира Земного и мира Небесного. В этом контексте я рассматриваю связь человека с истоками и Землёй, единство с Природой.

Меня наполняет идея абсолютной упорядоченности мира, его структурного совершенства. Именно этим совершенством и привлекает народное творчество — его абсолютная ясность и выразительность в изображении устройства жизни и мира, где каждому явлению есть своё место. В данный момент в своей художественной практике я обращаюсь к образам и мотивам народного творчества, создавая на их основе собственное художественное высказывание.

Сфера моих интересов — древние пласты истории Земли и палеонтологии, своеобразная эстетика и декоративная пластика существ, некогда существовавших на Земле.

Макраме, как древнейшая техника узловязания, является для меня близким языком выразительности. Узлы формируют прочную структуру, где каждый из них — не только единица формы, но и символ вечности и единства, начала и завершения, маленький акт созидания, шаг вперёд, движение, жизнь. Жизнь моего искусства.

Я отрицаю роль вещей как безмолвных обывателей.

Моя глазастая посуда — это не просто предметы интерьера. Они становятся другом, защитником и даже собеседником для своего обладателя. Вдохновлённые мифологией и философией работы никогда не лишены утилитарности.

Родилась в маленьком сибирском городке в 1984 году. После художественной школы поступила на архитектурный факультет. Живописи обучалась под руководством Юрия Зарубина и Александра Визеля. Раннее увлечение искусством привило любовь к цвету, природе и истории искусств.

Выставки:

2026 — DesignShanghai, Шанхай, Китай
2026 — «Уникальная Россия», Гостиный двор, Москва
2025 — «Искусство без границ», музей «Красные Горки», Сочи
2025 — «Дом, который построил…», галерея «Art Space», Москва
2025 — «Шум через призму тишины», галерея «Международный фонд искусств им. Эрьзи», Москва
2025 — «Наш дом-Россия», галерея «Усадьба на Перекопской», Москва
2025 — «Многоцветный мир», Пекин, Китай
2024 — «Цветочное счастье», галерея «Цветочный павильон ВДНХ», Москва
2024 — «Устойчивое развитие», галерея «Дарвиновский музей», Москва
2024 — «Fest der Kulturen», Dudweiler, Германия
2023 — «Земля. Вер. 21.23. Перерождение», галерея «Дарвиновский музей», Москва
2023 — «Сказки зимы: Между сном и явью», галерея «Lines», Санкт-Петербург
2023 — «Reborn», Германия
2022 — «Земля. Вер. 20.22. Зачем Андроиду Земля?», галерея «Дарвиновский музей», Москва
2022 — «Чудо Рождества», галерея «Golden Duck», Будапешт, Венгрия
2022 — «Оранжевое настроение», галерея «EOS», Парма, Италия

Исследую хрупкость мира и человека через бытовые предметы, аэрографию как распылённое восприятие и металл как носитель памяти.

Родилась в 1998 году. Живу и работаю в Перми. Преподаватель сценографии кафедры режиссуры театрализованных представлений Пермского государственного института культуры. Член Союза художников России.

Образование

2016−2022 — УФ РАЖВиЗ имени Ильи Глазунова, специальность «художник-живописец», Пермь.

Член Ассоциации художников ботанического искусства России.

В своей художественной практике Александра исследует механизмы внимания, памяти и формирования ценности через образы растений и повседневного ландшафта.

Работая преимущественно с живописью, многослойными и полупрозрачными материалами, художница обращается к темам локальной идентичности, детской памяти и взаимоотношениям между природой и культурой.

Через растительные образы Александра рассматривает, каким образом наше восприятие формирует представление о мире и как в самых обыденных формах жизни человек обнаруживает связь с местом, памятью и самим собой.

Елена Коротина — художница из Екатеринбурга, работающая с живописью, керамикой и текстилем. В своей практике исследует память, внутренний диалог, телесный опыт и процессы фрагментации личности.

Через фигуру двойника, многослойные композиции и материальность художественных объектов рассматривает память как силу, одновременно сохраняющую человека и ограничивающую его движение.

В настоящее время работает над долгосрочным исследовательским проектом «Поговорим», объединяющим живопись, объекты и инсталляции.

Работаю с медиумами: керамика, графика, фотография, видео-арт, инсталляция, живопись.

Я бы назвала своё творчество религиозным. Тут стоит оговориться: я мультидисциплинарный художник, поэтому говорю не только о «керамическом» опыте, но и о других видах изобразительного и пространственного искусств. Религиозным в философском понимании, не церковном.

Природное и антропоморфное пересекается в моих работах с метафизическим. Исследование человека как части животного мира — анатомии, психологии, социокультурных явлений — дополняется интересом к нерассудочному познанию мира. Этот симбиоз возник по причине сновидческой природы моего творчества — образы, а иногда кадры или объекты приходят ко мне во время сна.

Избранные выставки:

— ЯВЬ (Москва, 2026)
— СВОЯСИ (ГИМ, Москва, 2025)
— VIII весенний маркет современного искусства WIN-WIN (Москва, 2024)
— «GERMINIS» (ЦЕХ8301, Москва, 2020)
— «Паттерн: чувственное, авторское» (Москва, 2019−2020)
— Фестиваль интерьерного искусства Союза архитекторов России (Москва, 2019)
— «The culture of things / Чувство вещи» (Москва, 2019)
— «Хирургия: рождение, любовь, встречи, интересы, желания» — выставка работ из коллекции Михаила Алшибая (Москва, 2014−2015)
— III музейная фотобиеннале современной фотографии Русского музея (ГРМ, Санкт-Петербург, 2014−2015)
— «Z E R K A L A» (персональная выставка в рамках 5-й Московской биеннале современного искусства, 2013)

Родилась в Ленинграде (г. Санкт-Петербург). По основному образованию — врач-рентгенолог.
В 2012 году начала заниматься живописью. Прошла профессиональную переподготовку по программе «Современное искусство».

Членство в союзах:

— с 2018 года — член Союза художников России;
— с 2020 года — член Союза акварелистов;
— с 2026 года — член Секции художественной куклы ТСХ ДПИ.

Работает в технике масляной живописи, создаёт авторские куклы из фарфора и папье-маше.
Живописные работы находятся в фондах Сосновоборского музея современного искусства и Выборгского филиала Государственного Эрмитажа. Участник многочисленных персональных и коллективных выставок.

Я окончила Уральскую государственную архитектурно-художественную академию, получив специальность в области искусства интерьера с акцентом на художественный текстиль.
Являюсь членом Союза художников России и стипендиатом Союза художников 2025 года.

Специалист в области монументальной пластики и камерной скульптуры. Автор учебных программ по пластической анатомии для художественных вузов.

Родился в 1943 году в Свердловске.
В 1972 году окончил Московское высшее художественно-промышленное училище по специальности «художник-конструктор». Член Союза художников России с 1995 года.
С 1974 года участвует в городских, областных, региональных и всесоюзных выставках, работал в творческих мастерских Художественного фонда (ХФ) в Свердловске. Занимается художественным проектированием интерьеров и музейных композиций, созданием станковой и архитектурно-декоративной скульптуры. Является доцентом кафедры декоративно-прикладного искусства в РГППУ.

«Его медали и декоративные плакаты отличаются тонкой моделировкой формы и законченностью. Он одинаково уверенно работает и в области круглой скульптуры, в портретах и в области мелкой пластики. Во всех работах чувствуется тонкий вкус ищущего художника». — Л. В. Пузаков

Современная мультидисциплинарная художница, работающая с традиционными и новыми медиа. Пристально всматриваясь в гармонические колебания вечного маятника жизни и смерти, я начинаю замечать очертания «невозможных фигур». Мерцающая точка, рисующая своим движением эти зацикленные траектории, никогда не заканчивает свой путь. Фундаментальные дихотомии преодолевают разделяющую их пустотность и сливаются в целое, не теряя своей дуальной природы. Это вечное возвращение даёт мне возможность присвоить себе шанс на перерождение.

Глубокое уважение к традициям, культурным корням, их многоаспектности и затемнённости во времени побуждает меня переосмыслять старинные техники в контексте современности. Для этого я обращаюсь одновременно к возможностям новых медиа и к богатству русского фольклора и христианской символики. Обнаруживаю и, в буквальном смысле, вывожу на свет их неочевидные пересечения.

Фокусирование на моменте созерцания и опыт прикосновения к коллективной памяти происходят в процессе работы с архаичными и архетипическими техниками художественной обработки металла и дерева. Чеканка и резьба — бережный ручной труд, создающий перцептивный опыт единения с природой. Обмен информацией с инертным, на поверхностный взгляд, материалом позволяет трансформировать его в ценностный артефакт.

Чёрный цвет для меня не просто колер, но символ, слог метафорической модели: «без тьмы нет света». Инструмент, позволяющий отразить глубокую связь между мифологическими архетипами и духовными образами, провести параллели между глубинными истинами и создать ощущение неминуемого наступления света. Рельефные узоры, символы, обёрнутые пикселями пустоты трёхмерного пространства, — это моя личная картография и криптография. Ориентиры для блуждающей в темноте точки, которые открываются как свет знания только внимательному.

Скульптор, камнерез в третьем поколении.

В 2013 году окончил Академию Ильи Глазунова по специальности «декоративно-прикладное искусство».

С 2020 года — член Союза художников России.

Наталья Макарова выросла в регионе России, где древние ремесленные техники продолжают жить в повседневной культуре, быту и на даче. В её детстве всегда присутствовали предметы, созданные руками: связанные, плетёные или вышитые. Обращение к традициям для художницы — это не жест в сторону прошлого, а способ обрести устойчивость и найти невидимую связь, которая удерживает всё вместе.

Формы её работ и материалы неотделимы от земли, на которой они возникли, от ритмов бытия, памяти тела и жестов, повторяющихся из поколения в поколение. В своей практике она возвращается к этим аспектам через работу с глиной. Вручную, без эскизов, она создаёт плетёные сосуды и арт-объекты.

Для Натальи искусство — не только творческий акт, но и духовный процесс, способ общения с Богом, форма молитвы и выражения духовных устремлений. Это мост между земным и небесным мирами.

Светлана Вронски родилась в 1988 году в Таллине, Эстония, где живёт и работает по сей день. На протяжении последних 15 лет занимается текстилем. В 2016 году с отличием окончила бакалавриат Эстонской академии искусств на факультете дизайна текстиля, получив премию молодого художника года. Начиная с 2016 года является членом Союза художников по текстилю Эстонии. С 2020 года — приглашённый лектор в Эстонской академии искусств.

В 2020 году основала свой бренд концептуальной одежды VRONSKI, в коллекциях которого фокусировалась в первую очередь на разработке новых авторских техник текстиля для одежды. Несколько лет назад, почувствовав потребность в больших формах и большей свободе самовыражения, сменила направление в сторону искусства. Появились масштабные настенные панно и предметы интерьера. Главный интерес Светланы лежит в области смешения разных текстильных техник, в создании новых фактур и форм.

В ноябре 2023 года проект «Coincidence» принял участие и был продан на аукционе Art&Design Vladey в Москве. В мае 2024 года проект «Symbiosys» участвовал в BAD Bordeaux с галереей «ПАЛАТЫ», а его продолжение «Symbiosys II» было показано в октябре этого же года в рамках COSMOSCOW в Москве на стенде галереи «ПАЛАТЫ».

Работы Светланы находятся в частных коллекциях в Москве, Санкт-Петербурге, Вене и Таллине.

Архитектор по образованию (ИГАСУ, 2008), родом из Иваново. С 2006 года самостоятельно осваивает деревообработку, увлекаясь изготовлением диджериду. В 2012 году открыл мастерскую, исследуя токарное дело и выразительный потенциал дерева. Для работ использует ценные породы (капы, сувели), выбирая заготовки с живописными живыми краями, естественными изгибами и свилеватыми участками, сохраняя их уникальный дикий характер.

Вдохновение находит в лесу — живом, дышащем организме с вековой историей. Ищет уникальную древесину с естественными формами, живыми краями и следами времени, раскрывая её органическую дикость, пластичность и способность к трансформации.

Взаимодействуя с деревом, находит равновесие между своим художественным жестом и хаотичной логикой природы, удаляя лишнее и обнажая скрытые пейзажи. Работая на грани контроля и спонтанности, позволяет случаю сформировать уникальный характер каждого произведения.

Сотрудничает с галереями: Gallery Philia, Hugo Mento SF, Design Cafe by Fifth Avenue, Back Bone Buro, ADE Gallery. Работы представлены в частных коллекциях по всему миру: от России и Европы до США, Азии и Австралии.

Екатерина создает проекты на стыке разных форм искусства. Ее предметы представлены в Третьяковской галерее.

В 2008 году Екатерина основала собственную студию, которая разрабатывает уникальные авторские коллекции и интерьеры.

Екатерина — первый дизайнер в России, приглашенный для создания коллекций всемирно известных брендов: Smania, Urban Fabric Rugs, Matlight Milano, Capital Collection, Junior Monarch и многих других. Дизайн by Ekaterina Elizarova ежегодно представлен на выставках по всему миру: от Италии и Франции до США и Великобритании.

Обладательница титула «Дизайнер года» (Elle Decoration Best of Year Awards). Екатерина удостоена множества престижных международных наград, в числе которых Red Dot, A' Design Award, Первая всероссийская премия «За особый вклад в развитие дизайна в России», Eurasian Prize и многие другие.

Работает на стыке дизайна и современного искусства. Она — единственный представитель России, выбранный Голландским фондом Global Arts Affair для участия в выставке «Предметы дизайна как предметы искусства» в рамках 57-й Венецианской биеннале.

Екатерина входит в состав жюри международных премий в сфере дизайна, таких как New York Design Awards, London Design Awards, French Design Awards, Frame Design Awards, ADD Awards, AID и других.

Художница взяла за основу чашку, которую 60 лет назад придумали на Сысертском фарфоровом заводе, и превратила её в высказывание на уровне ощущений. Это история в одно касание.

«Сначала, как и многие, я хотела сделать что-то уникальное и авторское. Но всё изменилось, когда мы попали на склад гипсовых форм завода. Там я нашла старую форму чашки „Ромашка“. Ей примерно 50−60 лет, её автор — Синицын Анатолий Васильевич. Она меня сразу зацепила своей эргономикой: идеально ложится в руку. Я решила убрать ручку и превратить предмет в тактильный объект. Теперь это не просто чашка, а ритуал».

Светлана Запарий — художница из Екатеринбурга, которая в рамках лаборатории «Антихрупкость» расширила свои границы творчества: поработала с новым для себя материалом и перенесла образы Урала на посуду.

Для Светланы Урал — это не просто место рождения, развития, обретения любви и становления в качестве художника. Это сказочная страна, наполненная чудесами и сокровищами.

В художественной практике я размышляю о современном человеке, ищущем своё место между цивилизацией и природой. Мои объекты и скульптуры — попытки уловить в пластике моменты взаимопроникновения человека и растительного мира.

Медиум, с которым я работаю, — это глина: фарфор и керамика. Для того чтобы собрать задуманные объекты, я использую различные техники — литьё в гипсовые формы и ручную лепку. Литьё позволяет добиться особой тонкости и подробности деталей, лепка — свободы композиции.

Заимствуя у флоры и фауны существующие фактуры, я соединяю их парадоксальным образом и собираю свои арт-объекты буквально «по кускам». Результатом становится синтез, трансформирующий реальность в неузнаваемость, рафинированность фарфора — в неукротимость природы.

Образование:
1992−1996 — Московский гуманитарный университет
2013−2015 — Московская школа фарфора
2020 — курс повышения квалификации «Художественная керамика» в МГХПА им. Строганова

С 2017 года Вячеслав Симкин активно участвует в мероприятиях регионального, всероссийского и международного уровня, направленных на сохранение традиционных художественных промыслов.

В 2020 году прошел аттестацию, где ему была присвоена третья квалификационная категория по направлению «Реставрация произведений из кости и рога».

«Меня всегда интересовала связь истории и искусства. Возможно, именно поэтому я стал реставратором и проработал в этом направлении восемь лет. Меня притягивает отражение связи искусства и истории, отражение характера народа, его путь и важные события.
Другими словами, без знания истории невозможно глубоко постичь искусство, а сама история утратит свою прелесть без соприкосновения с миром искусства. Например, искусство раннего Средневековья будет существенно отличаться не только в силу исторических событий, но и по уникальным памятникам, ставшим отражением эпохи и выражающим внутренний мир и сознание людей. Для меня лично история искусств — это уникальная возможность, прежде всего через практику своего ремесла, погружаться в прошлое и рассказывать о нём людям сегодня".

Андрей Прохоров родился в 1987 году в посёлке Суксун Пермского края.
Окончил Кунгурский художественно-промышленный колледж по специальностям «Дизайн среды» (2009) и «Мастер народных промыслов» (2010).
В 2010—2016 годах обучался в Уральском архитектурно-художественном университете по специальности «Станковая живопись». Дипломная работа была отмечена серебряной медалью.

Важным этапом профессионального становления художника стала работа в 2016—2020 годах в составе группы под руководством заслуженного художника России А. М. Самсонова. В городе Газиантеп (Турция), в музее «Панорама 25 декабря», он работал над большой экспозицией на батально-историческую тему, включавшей монументальную панораму 13×125 м, три диорамы и серию картин.

Андрей Прохоров — член Союза художников России.
В своих творческих предпочтениях художник тяготеет к жанру исторической живописи. Его работы базируются на традициях данного жанра, для которого характерна монументальность, проявляющаяся в живописном языке и смысловом строе произведений.
В основном автор затрагивает переломные этапы русской истории, рассматривая их как взаимодействие деяний масс и личностей. При этом даже самые драматичные или трагичные её страницы в его интерпретации всегда ориентированы на торжество русского мира.

Художник создаёт образы, обладающие большой силой мысли, наглядностью и глубиной переживаний. Он точно передаёт характерные черты национального своеобразия мифологической картины мира и быта русского народа.
Многофигурные композиции А. Прохорова отличают широта и многообразие художественного восприятия, эпический размах, драматичность и, вместе с тем, лиричность, трепетность и проникновенность. Эти качества выражаются в пространственных построениях, присутствии света и воздуха, красоте мимолётных состояний.
Работы А. Прохорова находятся в музейных собраниях Екатеринбурга и Свердловской области, а также в частных коллекциях в России и за рубежом.

Создатель цифровых и материальных продуктов. Фокус на художественной выразительности, экологических привычках, неторопливом созерцании.

Арт-директор, креативный предприниматель, создатель проекта «Классы».

15 лет в индустрии: от промышленного дизайна до digital. Была арт-директором digital-департамента в рекламном агентстве № 1 в России. Сейчас являюсь приглашённым арт-директором на проекты и куратором мультисенсорного опыта.

В активе — международная награда D&AD Future Impact, локальный бренд Cosy Stories, финал акселератора «Новое Железо» 2025, выступление в качестве спикера на региональных и международных площадках.

Начав путь в сфере дизайна и визуальных коммуникаций, художница постепенно пришла к работе с физическими материалами. Создание объектов стало для неё способом исследовать форму через материальность, ручную работу и движение.

В своей практике художница создаёт кинетические объекты — лёгкие конструкции из пластика и стальной проволоки, которые взаимодействуют с пространством, реагируют на движение воздуха, свет и изменение точки зрения.

Мобили Алисы исследуют состояния равновесия, лёгкости и непрерывного движения. Художницу интересует момент, когда форма перестаёт быть статичным объектом и становится частью окружающей среды — словно живая система, существующая между контролем и случайностью.

«Для меня мобиль — это искусство случайности.
Его элементы могут казаться расположенными хаотично, но за этой кажущейся случайностью скрывается точный баланс — единственное возможное состояние системы. В этом я вижу метафору жизни: многие события кажутся нам случайными, но со временем складываются в ощущение неизбежности — будто всё произошло именно так, как должно было".

Его художественная практика выросла непосредственно из скейтбординга, городской среды и многолетнего общения с людьми в этой культуре.

Основным материалом Егора становятся старые скейтборды. Доски, которые уже прожили свою первую жизнь на улицах, хранят следы катания, падений, поездок и людей, которым принадлежали. Егор не скрывает эти следы, а превращает их в часть произведения. Семь слоёв древесины становятся его палитрой, а цвет возникает не из краски, а из самой истории материала.

В последние годы Егор обратился к русской религиозной иконографии. Он изучает историю образов, их происхождение и визуальный язык, а затем переносит знакомые сюжеты в совершенно иной материал. Так появляются его резные изображения святых, библейских сюжетов и другие художественные объекты.

Для автора это не попытка создать церковную икону в традиционном смысле. Это исследование культуры через материал скейтборда и попытка соединить две части собственной жизни, которые долго существовали рядом: скейтбординг и русская культурная традиция.

Сам скейтбординг в его практике становится гораздо больше, чем спорт. Это способ исследовать город, знакомиться с людьми, находить новые места и создавать собственное сообщество. Поэтому его работы существуют сразу в нескольких пространствах: между ремеслом и искусством, между улицей и мастерской, между современной скейт-культурой и культурной памятью России.

В своих работах Егор сохраняет главное свойство скейтбординга: свободу смотреть на привычные вещи иначе.